ETNOMUSICOLOGIA

BUONE VACANZE!!!

2010-06-10T19:51:00.003+02:00

La divina Callas

2010-05-27T10:19:00.001+02:00

Maria Callas nata con il nome di Anna Cecilia Sofia Kalogeropoulos. Regina indiscussa della musica lirica veniva chiamata la Divina. Probabilmente nata il 2 Dicembre del 1923 a New York da Georges Kalogeropoulos e Evangelia Dimitriadis di origine greca.Maria coltiva la passione per il bel canto anche quando si trasferisce in Grecia e nel 1937 si iscrive al Conservatorio di Atene . Nonostante non siano anni facili con le miserie dell'occupazione e della fame i primi successi per la giovana Callas arrivano proprio in Grecia con la Cavalleria Rusticana (dove interpreterà il ruolo di Santuzza ) e la Tosca.Dopo essere tornata negli Stati Uniti per un breve periodo il 27 Giugno 1947 si trasferisce a Verona dove conosce Battista Meneghini. L'Italia porta fortuna al soprano Verona ,Millano, Venezia hanno il privilegio di sentire le sue "Gioconda, Tristano e Isotta, i Puritani,Aida, Trovatore e i Vespri Siciliani". Conosce persone importanti come Ghiringhelli sovrintendente della Scala , il maestro Arturo Toscanini che rimarrà stupito dalla sua incredibile voce ed esprimerà il desiderio di dirigerla in " Macheth" che però non verrà mai allestito alla Scala. Si susseguono trionfi in tutto il mondo Londra, Vienna ,Berlino,Amburgo, Stoccarda, New York e Kansas City. Dopo il declino sentimentale la Divina si ritira dalle scene a causa dello spaventoso calo della vocee si rifugia a Parigi dove muore il 16 Settembre 1977. Desirèe . Immagini di Brutti Jessica e Annamaria Ghellere

Itzhak Perlman plays Klezmer

2010-05-27T10:08:00.000+02:00

Rachmaninoff - Piano Concerto n.3 Horowitz- Mehta - 1978 - 1/5

2010-05-27T10:06:00.000+02:00

Mozart - Greensleeves

2010-05-27T10:02:00.000+02:00

L'ambiguo fascino della contaminazione

2010-05-26T21:11:00.000+02:00

Uno spettro ossessiona la musica: la contaminazione. Non ha un corpo - non può dire di avere proprie melodie, né proprie armonie, né colori strumentali - ma la sua presenza, a mo' di fantasma, è ovunque, e si infiltra sopra e sotto ogni categoria musicale. Nella musica da film, nella world music, nel jazz, nel pop, persino nella musica classica si ascolta il suo inconfondibile timbro. Inconfondibile perché la contaminazione, benché non sia nulla di per sé, riesce a trasformare tutto ciò che divora nella propria imprendibile sostanza - in effetti è più un vampiro che un fantasma.
Normalmente nella musica contaminata la prima cosa che arriva è un ronzio elettronico, messo lì a preannunciare vasti ma non meglio specificati orizzonti. Il senso di distanze "cosmiche" si rafforza con il dispiegarsi di una lunga melodia lamentosa, che evoca un paese lontano del quale sappiamo poco, come la Mongolia o l'Africa occidentale. Poi arriva una pulsazione, seguita da una parata di altri profumi esotici. Quindi questi ingredienti si combinano e precipitano in una sorta di languida frenesia, per poi sfumare e lasciare dietro di sé il ronzio cosmico. Ci sono eccezioni, naturalmente, ma in generale la musica contaminata è l'equivalente musicale del comprarsi un letto in stile Impero e di coprirlo poi con lenzuola decorate in caratteri cinesi. Nella sua ricerca inarrestabile di nuovi sapori, la contaminazione è la perfetta espressione del consumismo.

Estratto di Ivan Hewett (Contaminazione Musicale)

Alice Porcu

Concerto per pianoforte e orchestra n. 3 (Rachmaninov)

2010-05-26T16:17:00.000+02:00

Il concerto per pianoforte e orchestra n. 3 in Re minore op. 30 di Sergej Rachmaninov, composto nel 1909, è uno dei più amati ed eseguiti concerti del repertorio per pianoforte e orchestra. Recentemente noto presso il grande pubblico anche come Rach 3, in realtà questa dicitura non è mai stata diffusa in Europa ed è divenuta popolare solo dopo il successo del film Shine (1996).

Concerto d'impostazione tardo-romantica, dalle affascinanti melodie, magniloquente nell'espressione, deve una parte della sua fama alla sua grande difficoltà esecutiva, in quanto richiede al solista una solidissima tecnica virtuosistica e molta resistenza.Probabilmente, il più difficile del repertorio correntemente eseguito, assieme al celebre concerto n.2 di Brahms (in cui la grande difficoltà è meno immediatamente evidente a causa della sua particolare scrittura pianistica, è più dissimulata ma richiede altrettante doti tecniche e nervose per una sua perfetta riuscita) ed al meno conosciuto concerto n. 2 di Sergej Prokofiev. La sua diffusa fama di pezzo più difficile mai scritto, cui ha largamente contribuito il suddetto film, pertanto non è usurpata, ma è certamente da prendersi con le pinze.

Il concerto è diviso in tre movimenti, con il secondo e terzo privi di soluzione di continuità. La durata è di circa 40 minuti.

1. Allegro ma non tanto
2. Intermezzo: Adagio
3. Finale: Alla breve

Porcu Alice

PARADE - Erik Satie

2010-05-25T09:39:00.000+02:00

2010-05-25T09:36:00.003+02:00

KLEZMER :

il termine deriva da due parole ebraiche, klei e zemer, letteralmente strumento musicale.

Il klezmer nasce nell’Europa orientale, in particolare nelle comunità chassidiche. Questa musica fonde in sé strutture melodiche di vari popoli con cui gli ebrei sono venuti in contatto (Balcani, Polonia, Russia) ed esprime sia felicità e gioia che sofferenza e malinconia, tipica della musica ebraica. Accompagna matrimoni, funerali o semplici episodi di vita quotidiana. Gli strumenti più utilizzati nella musica Klezmer sono il clarinetto, gli ottoni, in particolare la tromba, gli strumenti percussivi e melodico percussivi come il cymbalon e altri strumenti come il cello (simile al violino). Il Klezmer contribuirà non poco alla formazione del jazz, quando gli ebrei che erano stati perseguitati si trasferirono in molti nelle americhe.

Giora Feidman: è un musicista argentino conosciuto internazionalmente come il re del klezmer. Nell'estate del 2005 in occasione della Giornata Mondiale della Gioventù tenuta a Colonia, è stato invitato personalmente dal Papa a suonare sul palco come solista di fronte a 800 mila persone. Ha suonato la colonna sonora del film “Schindler list”(composta da John Williams), chiamato personalmente da Spielberg.

GIADA TINAZZI FRANCESCA MARCHI

Immagine: Brutti Jessica, Ghellere Annamaria

Ennio Morricone - Once upon a time in the West

2010-05-25T09:29:00.000+02:00

Parade, balletto musicato da Erik Satie

2010-05-25T09:28:00.002+02:00

Immagine di Brutti Jessica e Ghellere Annamaria

PiratiDeiCaraibi..LaColonnaSonora

2010-05-25T09:22:00.000+02:00

Neri per Caso - Donne

2010-05-25T09:18:00.000+02:00

The King's Singers - Masterpiece

2010-05-25T09:15:00.000+02:00

Stravinsky Concerto for Two Pianos/Notturno

2010-05-25T09:14:00.000+02:00

Sacred Sufi Music

2010-05-25T09:12:00.000+02:00

scena di grease (you're the one that i want)

2010-05-25T09:08:00.001+02:00

Astor Piazzolla - Libertango

2010-05-25T09:08:00.000+02:00

2010-05-23T17:26:00.000+02:00

LA MUSICA DURANTE LA GRAVIDANZA

L’esigenza di utilizzare la musica durante la gravidanza, unificandola alla psicologia, nasce dal fatto che la musica è considerata strumento efficace per ridurre il livello di ansia e stress emozionale che provocano affaticamento nella mamma e agiscono indubbiamente in modo negativo sul feto. poiché la gravidanza comporta una serie di cambiamenti fisici ed emotivi, la futura mamma può essere investita da ansia, stress e paura durante i nove mesi con un conseguente forte affaticamento. Ciò potrebbe comportare il rischio di non vivere in maniera serena la dolce attesa. In tale occasione una musica dolce, lenta e ricca di armonie, come quelle di Mozart e Vivaldi, nonché la musica New Age, hanno la capacità di regolarizzare il battito cardiaco e, conseguentemente, diabbassare la pressione sanguigna. Ciò genera un allentamento della tensione e un conseguente miglioramento dello stato emotivo. Questi brani hanno, inoltre, dei benefici anche sul nascituro in quanto stimolano la memoria, la capacità di concentrazione, la creatività e le attitudini logico – matematiche. Da evitare tutte le canzoni che evocano brutti ricordi o che fanno agitare: musica rock, la musica classica in cui si sentono particolarmente flauto e violino.

Valentina Zanoni

Poetica della musica

2010-05-20T17:26:00.001+02:00

Passi estratti da "Poetica della musica" di Igor Stravinskij

Il fenomeno musicale
… il fenomeno musicale non è altro che un fenomeno di speculazione intellettuale.
Questa espressione non vi deve spaventare: presuppone semplicemente, alla base della creazione musicale, una ricerca preliminare, una volontà che innanzi tutto si muova nell'astratto per arrivare poi a dare forma ad una materia concreta. Gli elementi che vengono necessariamente presi in considerazione da questa speculazione sono gli elementi del "suono" e del "tempo". La musica è inconcepibile al di fuori di questi due elementi...La facoltà di creare non ci viene mai data da sola, è sempre accompagnata dalla capacità di osservazione e il vero creatore si riconosce in quanto trova sempre attorno a lui, nelle cose più comuni e più umili, elementi degni di nota...

non basta ascoltare la musica, ma che bisogna vederla. Cosa dire allora della pessima educazione di quegli interpreti smorfiosi che si assumono troppo spesso il compito di liberare il messaggio della musica travisandola con le loro moine? Perchè, lo ripeto, la musica si vede. Un occhio esperto segue e giudica, qualche volta a sua insaputa, il minimo gesto
dell'esecutore. Da questo punto di vista si può concepire l'esecuzione come una creazione di valori nuovi che postulano la soluzione di questioni analoghe a quelle che si pongono nel campo della coreografia; in ambedue i casi si sta attenti alla misura del gesto: il danzatore è un oratore che parla un linguaggio muto, lo strumentista è un oratore che parla un linguaggio inarticolato; all'uno come all'altro la musica impone un atteggiamento rigoroso, perchè la musica non si muove nell'astratto. La sua traduzione plastica esige esattezza e bellezza; gli esibizionisti lo capiscono fin troppo bene.

Porcu Alice

2010-05-20T14:53:00.002+02:00

IL CANTO POPOLARE

La dicitura canto popolare è generica in quanto in essa si possono racchiudere sia le musiche pensate e scritte per il popolo, che le melodie e le musiche provenienti dal popolo. Sicuramente la musica proveniente dal popolo risveglia all'orecchio degli appassionati di etnomusicologia un interesse particolare. Questa musica nasce insieme alla civiltà umana e con essa si sviluppa nel corso dei secoli. "In principio era il suono", forse solo una nota, una generatrice diatonica. La voce umana ha poi iniziato a modulare i primi intervalli, fino ad arrivare alla formulazione di vere e proprie linee melodiche, che sono giunte fino a noi intatte nel tempo, tramandate oralmente grazie alla memoria dei nostri antenati". Oltre ad un'analisi prettamente storico-evoluzionistica, il canto popolare, innestandosi radicalmente all'interno delle diverse società, ha permesso un'attenta analisi delle fenomenologie sociologiche. A tal proposito, si possono citare i canti epici che narrano imprese e storie eroiche (molto diffusi nei Balcani in nord Europa e in Medio Oriente); le ballate o (folk) ballads britanniche; i canti di lavoro (da quelli degli schiavi afroamericani a quelli delle mondine o dei battipali italiani); i canti rituali (dai riti ancestrali africani ai festeggiamenti per la Pasqua); le filastrocche e le ninne nanne; gli inni, le villotte, etc.". Il canto popolare, inteso come folk song è, del resto, presente tutt'oggi nella vita quotidiana. È proprio a motivo di questo speciale rapporto con un passato indistinto, sostanziato innanzitutto da questa sua indefinibilità, che le melodie popolari sono prima di ogni altra cosa il prodotto della rielaborazione costante di una tradizione. L'Italia possiede un ricchissimo patrimonio di canti popolari, molto differenziati regionalmente, e numerosi ricercatori hanno raccolto e catalogato centinaia di linee melodiche arcaiche. Spesso una linea melodica può avere diversi testi (e può essere stata raccolta in contesti geografici lontanissimi l'uno dall'altro) o lo stesso testo può essere stato adattato a diverse melodie. Le linee melodiche arcaiche, di tradizione orale, e quindi originali, spesso oggi vengono tenute in considerazione da compositori di altissimo livello che, prendendo il materiale in questione, dopo una lunga ricerca nella tradizione popolare e contadina, lo elaborano trasformandolo in una vera e propria opera polifonica, fissandolo così nel tempo e nello spazio e conseguentemente salvaguardando un patrimonio culturale di inestimabile valore che, altrimenti, andrebbe perduto. La gran parte di questo materiale melodico arcaico rielaborato entra a far parte del repertorio di quell'affascinante strumento che è il coro.

Valentina Zanoni

La musica e il lavoro

2010-05-19T18:51:00.005+02:00

BINOMIO MUSICA - LAVORO

- Work songs: (Neri che cantano nel campo di cotone). Canti per lavorare assieme. (Ritmo)
- Shantis: Canzoni che fanno i marinai. (Coordinamento)

Nella cultura occidentale ormai non si canta più mentre si lavora.

1) Per gli etnologi musica e lavoro condividono una caratteristica essenziale: sia la produzione materiale che quella musicale necessitano, per realizzarsi, di un RIFERIMENTO RITMICO.

2) nell'odierna etnomusicologia si è soliti tracciare una netta distinzione tra:

- Musica di lavoro: A questo genere appartengono i "Work songs" e i "sea shantis". In particolare i work songs, oltre che per il ritmo sul lavoro, servivano per sentirsi parte di una comunità. La struttura di questi canti è detta ANTIFONALE;
- Musica del lavoro: Sono per esempio le grida degli ambulanti che, pur non avendo una funzione dinamica, sono parte integrante dell'atto lavorativo;
- Musica durante il lavoro: Come i canti dell'AIA che accompagnano l'azione produttiva, oppure i canti dei pastori;
-Musica sul lavoro: Musica che parla del lavoro, come i canti di protesta sociale, o che descrivono il lavoro che si svolge.

3) La musica dunque serve:

- A mantenere il contatto con la comunità;

- Ad alleviare la fatica;

- A garantire sincronia e coordinazione nel lavoro.

4) Nella società moderna c'è una netta separazione tra musica e lavoro perchè il tempo è vissuto in modo totalmente diverso dalle culture tradizionali.

Porcu Alice, Rizzo Veronica & Zanoni Valentina

Il Musical

2010-05-17T17:54:00.002+02:00

IL MUSICAL

Il musical è un genere di rappresentazione teatrale e cinematografica nato originariamente in Inghilterra e sviluppatosi negli USA. Un suo corrispondente in è la commedia musicale, con cui condivide l'uso di più tecniche espressive e comunicative insieme. L'azione viene portata avanti sulla scena non solo dalla recitazione, ma anche dalla musica, dal canto e/o dalla danza che fluiscono in modo spontaneo e naturale. In questo genere ogni particolare risulta indispensabile per la riuscita dello spettacolo, dai costumi dalla scenografia includendo regia, coreografie e luci senza dimenticare gli attori (o meglio, performers) che devono essere in grado di comunicare emozioni. Oggi si possono distinguere due tipi di musical: quello teatrale e quello cinematografico. Il primo musical cinematografico fu il primo film sonoro: Il cantante di jazz, di Alan Crosland, distribuito da Warner Bros.

ORIGINI

Si può dire che il musical nasce il 12 settembre 1866, giorno in cui negli Usa viene messa in scena per la prima volta un'opera (The Black Crook) nata dall'unione fra una compagnia di ballo e canto importata dall'Europa, con una compagnia di prosa. Questa collaborazione deriva dal fatto che la prima era rimasta senza un teatro in cui esibirsi mentre la seconda era alle prese con una produzione che si stava rivelando assai più costosa del previsto. Superate le difficoltà economiche e organizzative il 12 settembre ci fu la prima dello spettacolo.

Il primo musical ad arrivare in Italia fu grease, nel 1997, interpretato da Lorella Cuccarini (Sandy) e Giampiero Ingrassia (Danny). Venne rappresentato solamente nelle città di Roma e Milano, ed in quest'ultima ebbe un grande successo per più di un anno.

Porcu Alice

2010-05-17T17:05:00.001+02:00

LA MUSICA E LA RELIGIONE

Le religioni nascono per rispondere ai misteri della vita. Le religioni si strutturano attraverso dei riti che coinvolgono tutti i 5 sensi ma in prevalenza il suono e quindi la musica. Infatti il suono dovrebbe mettere in contatto con la divinità. Nelle civiltà preistoriche il suono dei tamburi era molto di più di un semplice mezzo di comunicazione, esso si trasformava in una vera e propria forma di preghiera simboleggiando lo spirito “che si perde” nell’immenso, spesso la musica era accompagnato da danze.
Nell’antica civiltà cinese la musica era l’unica arte capace di educare i giovani alla spiritualità. Per gli antichi greci la musica era “la cura dell’anima”, ogni particolare “tonalità” musicale era in grado, di scaturire una particolare “suggestione psichica”. In questa teoria denominata dell'ethos ogni suggestione creata dalla musica poteva recare miglioramento a determinate carenze dello spirito della mente e persino del corpo. La musica indiana, sia karnatica (del sud dell’India) che indostana (del nord dell’India) è considerata di derivazione divina, essa deriverebbe dalla trimurti (Brahma, Shiva e Vishnu) la quale ne avrebbe insegnato regole e dettami ai musicisti ai quali a loro volta spetta il compito di intervenire sui nove sentimenti che, secondo la musica indiana, l’essere umano è in grado di provare. Nascono in questo modo i raga ovvero combinazioni di stilemi melodici detti swara, ogni raga inoltre produce uno swaroopam ovvero una “suggestione psichica” particolare con influenze specifiche all’interno della natura umana. Nel buddismo i monaci pronunciano cantando le loro preghiere (mantra) e la musica costituisce il centro della pratica tantrica. Nell’Islam c’è la tradizione sufi che considera il canto come strumento di una realtà superiore. Il credente pratica la sua lode a Dio, al profeta e ai santi raggiungendo stati di estasi.

Valentina Zanoni

2010-05-17T16:49:00.002+02:00

IL ROMANTICISMO E LA MUSICA

Immagine di Brutti Jessica e Annamaria Ghellere

L’ottocento fu il secolo del romanticismo. L’artista romantico era un uomo sensibile, trattava argomenti riguardanti il proprio mondo interiore, era affascinato da tutto ciò che sfugge alla ragione: sentimenti, religione, miti, emozioni, magia. Il compositore era, quindi, sempre libero di esprimere la sua creatività e si sentiva incaricato del compito di insegnare all’umanità a migliorarsi.
In questo periodo le forme musicali classiche vengono stravolte. Si passa da brevissime composizioni ad altre lunghissime. Le forme nuove sono: notturni, preludi, improvvisi, poemi sinfonici. Il pianoforte è lo strumento privilegiato perchè aveva molte gradazioni d'intensità e timbro e per l'elemento lirico e soggettivo legato alla presenza di un unico esecutore.
Fra gli artisti romantici più famosi troviamo: Robert Schumann, Fryderyk Chopin, Franz Schubert e Hector Berlioz, Pëtr Il'ič Čajkovskij, Giacomo Puccini e Gioacchino Rossigni.

LA MUSICA A PROGRAMMA

La musica a programma è un fenomeno del tutto romantico, il musicista compone prendendo spunto da situazioni non musicali. Della musica a programma fanno parte i Lieder (canzoni), i balletti, i poemi sinfonici e le sinfonie a programma. Questo fenomeno fu iniziato da Hector Berlioz: nella sua Symphonie Fantastique. questa sinfonia è divisa in cinque parti:

Nel primo movimento viene descritto lo stato del compositore prima e dopo aver incontrato la donna amata. La transizione da uno stato di sognante malinconia, interrotta da vari eccessi di gioia immotivata, ad uno di passione delirante, con i suoi impulsi di rabbia e gelosia, i suoi ricorrenti momenti di tenerezza, le sue lacrime e le sue consolazioni religiose. Ecco perché l'immagine melodica iniziale ricorre lungo tutto il movimento, come una idea fissa.
Il secondo movimento "Un ballo", è un trascinante valzer in la maggiore, nel quale il protagonista è ritratto durante una festa danzante, costantemente turbato dall'immagine della donna amata (che compare attraverso la solita immagine melodica dell'idea fissa).
Nel terzo movimento, "Scena campestre", un lirico adagio in fa maggiore, il protagonista sull'onda di un ranz de vaches eseguito da una coppia di pastori si abbandona a contrastanti pensieri di speranza e di angoscia. visioni dei due movimenti successivi.
Nel quarto movimento, "Marcia al supplizio" (allegretto non troppo in sol min.), il protagonista in preda all'oppio, sogna di aver ucciso la sua donna amata e quindi di venir condannato a morte, condotto al patibolo e giustiziato. L'idée fixe compare solo verso la fine del movimento ed è bruscamente interrotta da un violento accordo che simboleggia la caduta della mannaia.
Il quinto movimento "Sogno di una notte di sabba" trasporta il protagonista nel bel mezzo di un sabba di streghe, in un corteo lugubre e solenne. In questo composito finale si susseguono ininterrottamente quattro "quadri": nel primo, dopo un'introduzione, una distorsione triviale dell'idea fissa rende i tratti grotteschi assunti dalla fisionomia dell'amata nel visione del sabba; il secondo è fondato su una parodia del Dies irae, l'inno gregoriano per la sequenza dei defunti; il terzo è la Ronde du Sabbat, un vorticoso fugato; il quarto (Dies Irae et Ronde du Sabbat ensemble) inizia con una visionaria sovrapposizione della sequenza gregoriana sul fugato per chiudersi con una trionfante apoteosi.

IL VIRTUOSISMO

L’ottocento è anche il secolo del virtuosismo. Per virtuoso si intende colui che riesce ad ottenere l’impossibile dal proprio strumento. Tra i virtuosi più importanti ricordiamo: Niccolò Paganini per il violino e Franz Liszt per il pianoforte.

(Paganini)

(Liszt)

Valentina Zanoni- Immagini di Brutti Jessica e Annamaria Ghellere

La musica a cappella

2010-05-14T18:05:00.000+02:00

Si definisce a cappella ogni esibizione canora che non preveda, durante il suo svolgimento, alcun intervento da parte di strumenti musicali.
La pratica del canto "a cappella" ha origini che risalgono alla preistoria, quando gli uomini e le donne dei villaggi si riunivano attorno al fuoco per cantare musiche propiziatorie o di ringraziamento per le divinità o di altro genere.
Il canto "a cappella" trae le sue origini dalla prassi esecutiva del canto gregoriano la quale, non prevedendo l'ausilio dell'organo né di alcun altro strumento, era quindi praticata dalle sole voci dei monaci o dei chierici che costituivano il gruppo di cantori, chiamato schola cantorum.
Alla schola cantorum veniva affidato il ruolo di "guida dell'assemblea", per tale ragione i cantori spesso "scendevano" dal presbiterio e si ponevano a cantare in una cappella laterale della chiesa, da qui l'origine del nome.
A cappella è gran parte della musica corale concepita per essere svolta da gruppi vocali o da cori polifonici.
La produzione di musica "a cappella" non è solamente sacra, ma spazia dal canto popolare, alla produzione madrigalistica alle elaborazioni di musica "pop"; in tal senso attualmente i vertici interpretativi a livello mondiale sono rappresentati da gruppi come i King's Singers, The Chanticleer, The Swingle Singers, Take Six, Calmus Ensemble e molti altri, in un panorama attualmente in forte espansione. In territorio italiano vi sono gruppi di levatura internazionale, come i Neri per Caso o i Cluster, ma non solo.
Molti artisti vengono erroneamente considerati come appartenenti alla categoria "a cappella" ma includendo essi l'uso di strumenti ausiliari o contaminazioni elettro-acustiche in realtà se ne discostano, andando a far parte di categorie la cui espressività e tecnica esula dal contesto prettamente vocale, del tutto differente negli effetti e nella ricerca delle soluzioni espressive oltre che tecniche.

Porcu Alice

La musica in alcune culture orientali

2010-05-14T15:31:00.008+02:00

1. L’Himalaya e le steppe mongole

Sia in Tibet sia in Mongolia troviamo tratti particolari e caratteristici derivati dalle correnti dello sciamnesimo e del buddismo.
Le pratiche musicali sciamaniche sono incentrate su tecniche che producono l’estasi e la possessione al fine di codurre l’individuo a comunicare con l’Invisibile. La musica serve essenzialmente a provocare o ad accompagnare la trance dell’officiante (che può essere maschio o femmina) affinché possa entrare in contatto con gli spiriti superiori o inferi. Lo scopo di questi rituali è quello di guarire dalla malattia o di indovinare il futuro. I rituali buddisti consistono invece in un insieme di pratiche liturgiche destinate alle molteplici circostanze della vita monastica e a qualche circostanza della vita laica. Benché il buddismo himalayano si articoli in 4 ordini, esso presenta una sostanziale omogeneità per ciò che riguarda la dottrina e i riti. Nei monasteri i monaci officianti sono messi di fronte in due file secondo una stretta disposizione gerarchica; in questa “offerta musicale” alla divinità si alternano canti e recitazione di testi sacri. Soltanto i grandi rituali danzati e dotati di maschere hanno luogo all’aria aperta. L’emissione della voce è particolare e riesce a produrre un fascio d’armonici ben avvertibili. Questa tecnica è nota anche ai bardi della Mongolia, cantori-tutori delle memorie patrie, ma anche specialisti nel canto lirico. La voce è la protagonista di tutte queste musiche (sciamanica e buddista; sacra e profana), e gli strumenti hanno prevalentemente un ruolo di accompagnamento.

2. L’India e l’Asia meridionale

Fin dalla storia più antica la civiltà indiana valica di gran lunga le frontiere attuali del paese (benché immenso). La tradizione musicale iscritta in questa cultura manifesta una visione del mondo e dell’uomo al tempo stesso estroversa, generosa e sensuale e insieme intima e sottile. Questa ambiguità di fondo è forse il portato dei rapporti che l’antica cultura indiana intrattenne fin dalle epoche più lontane sia col mondo greco e mediterraneo, sia con l’Asia sud-orientale e perfino con la civiltà islamica.
Gli scavi archeologici hanno messo in luce strumenti musicali risalenti a quattro mila anni a.C. nell’attuale Pakistan. Con l’arrivo degli indo-erupei nella regione del Gange nel secondo millennio a.C. s’inizia la tradizione Vedica, fondata sui più antichi testi sacri dell’India, considerati come rivelazione divina. I quattro Veda principali sarebbero all’origine della recitazione, dell’arte mimetica, del canto e dei sentimenti. Questi testi influenzano profondamente tutti gli scritti posteriori sulla musica e la danza, che si limitano ad ampliarli e ad arricchirli con ulteriori codificazioni e precisazioni. Tuttavia la pratica musicale e coreutica, pur facendo riferimento ai testi sacri, si è trasmessa in maniera essenzialmente orale.
Non potendo soffermarci sui dettagli, diamo almeno una prima suddivisione di “genere”. In India si distinguono nettamente due categorie di musica: quella detta “della via”, e quella “della terra”. La prima indica la musica contemplativa, rituale, funzionale alla meditazione, insomma una “delle vie” dello yoga. L’altra, d’origine rurale, è considerata come popolare, “mondana”, profana.
La musica “classica” si suddivide a sua volta in due grandi tradizioni: quella carnatica del sud del paese e quella induista del nord, entrambe evolute nel seno delle corti principesche che erano anche promotrici delle arti. Nella rigida divisione fra le caste che caratterizza specialmente la civiltà induista, spesso la musica era affidata alle caste più basse.
Basta considerare la varietà e la ricchezza degli strumenti per rendersi conto delle possibilità foniche di queste musiche.

Per ulteriori informazioni e curiosità sulla musica in varie etnie cliccate qui !

Porcu Alice

Etnomusicologi italiani

2010-05-13T19:47:00.000+02:00

TULLIA MAGRINI:

Tullia Magrini nacque ad Imola nel 1950 e morì a Bologna nel 2005. Fu un' etnomusicologa e antropologa italiana. Professore associato di Antropologia della musica all'Università di Bologna, ha svolto ricerca sul campo in Italia, Grecia, Bali e Madagascar. È stata segretario generale della Società Italiana di Etnomusicologia (1982-86) e presidente del Comitato italiano dell' ICTM (dal 1986). Nel 1992 ha fondato il Gruppo di studio dell'ICTM "Anthropology of Music in Mediterranean Cultures" e ne è stata il presidente fino alla sua prematura scomparsa. Nel 1994 ha fondato il Web bulletin "Italian Ethnomusicology - ITEM" che nel 1996 è confluito nella rivista multimediale Music and Anthropology.

DIEGO CARPITELLA:

Diego Carpitella nacque a Reggio Calabria nel 1924 e morì a Roma nel 1990. Fu un etnologo ed etnomusicologo italiano. Ha collaborato con il CNSMP (Centro Nazionale Studi sulla Musica Popolare), raccogliendo più di 5.000 canti popolari italiani tra il 1952 e il 1958 assieme a Ernesto de Martino. In quegli stessi anni (1953-1954) ha collaborato con l'etnomusicologo statunitense Alan Lomax in alcune campagne di registrazione sul campo in Italia dall'Alto Adige alla Sardegna. Dal 1958 al 1968, ha collaborato sui temi della musica folk a trasmissioni culturali della RAI con personaggi come Emilio Garroni, Luigi Silori, Umberto Eco, Beniamino Placido. Ha insegnato all'Università di Roma "La Sapienza" e all'Accademia Nazionale di Danza ed è stato tra i fondatori dell'etnomusicologia scientifica in Italia. Ha fondato la rivista “Culture musicali”e fra i suoi saggi ricordiamo “La musica nei rituali sardi dell'argia” (1967), “Musica e tradizione orale” (1973). È il fondatore degli Archivi di Etnomusicologia dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia. Negli anni settanta ha condotto per la RAI il programma musicale "Folk D.O.C.".

Bassetto, Dal Castello

Il tango argentino

2010-05-13T10:33:00.002+02:00

« Il tango non è maschio, è coppia: cinquanta per cento uomo e cinquanta donna, anche se il passo più importante, l'"otto", che è come il cuore del tango, lo fa la donna. Nessuna danza popolare raggiunge lo stesso livello di comunicazione tra i corpi: emozione, energia, respirazione, abbraccio, palpitazione. Un circolo virtuoso che consente poi l'improvvisazione. (Miguel Ángel Zotto) »

Il tango argentino, forma d'arte che comprende musica, danza, testo e canzone, nasce a Buenos Aires alla fine del diaciannovesimo secolo. Possiamo considerarlo una mescolanza di vari stili quali la habanera e la milonga, trae le sue origini ad canti molto tristi. Esprime il disagio dell'immigrazione e la nostalgia. Un poeta deffinisce quest'arte con queste parole: "Como un grito salio dal sordido barrial buscando el cielo", ovvero "Come un grido si alzò dal fondo sordido cercando il cielo". Il tango come un canto di passioni, carico di sensualità resa esplicita da alcune sue movenze e figure. Rimane però il tango delle radici: quello dei sentimenti, amori per la passionalità e del disincanto ironico. Il tango raggiunge l'apice del successo tra il 1980-1920 dalla sua forma più classica alla più famosa.
I maggiori esponenti di quest'arte sono:
Carlos Gardel
Mutto
Astor Piazzolla
Consideriamo quest'ultimo: uomo innovativo, rivoluzionario e romantico. Nasce nel 1921 a B. A.
Dai tre ai quindici anni vive a New York, ritorna poi a B. A. dove inizia una carriera musicale nei locali notturni come solista di bandoneon. Nella sua vita incontra: Rubinstein, Ginestera e Nadia Boulanger. Muore nel 1992.
Opere: - QUATTRO STAGIONI
          - ADIOS NONINO
          - LIBER TANGO
          - OBLIVION
          - CALAMBRE

Lo strumento principale del tango è sicuramente il bandoneon.
È una sorta di fisarmonica di legno con dei fori la cui apertura o chiusura con i polpastrelli produce le note, e che ha la caratteristica di cambiare la nota a seconda se il mantice viene compresso o invece dilatato. Nacque originariamente come strumento per la musica sacra, per accompagnare i canti durante le processioni, gli emigranti tedeschi portarono questo strumento con sé, all'inizio del XX secolo, in Argentina, ove rapidamente incontrò grande successo, e fu presto inserito nel contesto della musica locale.

Chiara Gavioli_Chiara Martignago

2010-05-13T10:33:00.000+02:00

LA COLONNA SONORA
La colonna sonora è composta da musica, rumori e voci. Ha finalità di riflettere nella mente dello spettatore e suscitare emozioni.

FUNZIONE DELLA MUSICA NEI FILM:

• Musica che viene eseguita nella scena oppure protagonista dello stesso film.

• Temi guida (leit motive) hanno il compito di farci riconoscere i personaggi e le situazioni.

• Musica che serve a commentare la scena a scopo di sottolineare:

- per rinforzo (funzione sincronica)

- per contrasto (funzione diacronica)

CUE SHEETS: manuali con musiche adatte ad ogni circostanza o scena di un film.

FAMOSI AUTORI DI COLONNE SONORE:

• Ennio Morricone

• Nicola Piovani

• John Williams

• Goran Bregović

Valentina Zanoni&Veronica Rizzo

Joey Deleon conga solo

2010-05-13T10:29:00.000+02:00

Roberto Leydi

2010-05-13T10:23:00.000+02:00

Roberto Leydi nacque ad Ivrea nel 1928 e morì a Milano nel 2003. Fu un etnomusicologo italiano. Iniziò la sua attività dedicandosi alla musica contemporanea e al jazz. Dalla metà degli anni cinquanta concentrò la sua esperienza di ricerca e studio sulla musica popolare e la storia sociale.

Nella sua carriera Leydi ha pubblicato numerosi saggi. Tra i più conosciuti troviamo “L'altra musica” e “I canti popolari italiani”. Ha promosso importanti iniziative editoriali e discografiche come la pubblicazione della collana di dischi Albatros ed è stato tra i fondatori dell'Istituto Ernesto De Martino nonché organizzatore di eventi e spettacoli sulla cultura popolare. Dal 1973 è stato docente di etnomusicologia al DAMS di Bologna, da cui ha potuto coordinare numerose campagne di ricerca sulle tradizioni musicali di tutte le regioni italiane.

Roberto Leydi svolse una funzione decisiva nella proposizione della ricerca della musica popolare italiana intesa come documentazione della cultura contadina italiana all'indomani della prima industrializzazione. Il suo contributo sì inserì in quel vasto filone di storia contemporanea e sociale che tendeva a cercare fonti alternative a quelle ufficiali per la ricognizione storica. Si trattava a tutti gli effetti di seguire i passi tracciati - tra gli altri - da Danilo Montaldi con il suo Militanti politici di base e da numerosi altri storici tra cui è giusto ricordare Gianni Bosio e Cesare Bermani. Roberto Leydi ebbe chiaro che la documentazione della tradizione popolare non poteva però essere limitata al suo carattere di emarginazione, o protesta, o a quello del diretto impegno sociale. Organizzatore instancabile, dotato di una inesauribile curiosità e di un'analoga capacità di andare oltre l'apparenza delle cose per coglierne spesso il lato anche ironico o surreale, Roberto Leydi ha pilotato con modestia ma decisione le traballanti sorti della musica popolare italiana legando il suo nome alle richerche della Regione Lombardia e a un folto gruppo di ricercatori di musica popolare che da lui ricevettero appoggio e spesso indicazioni. Qualche mese prima della sua morte ha donato l'intero archivio privato (circa 700 strumenti musicali, 6.000 dischi, 10.000 libri, 1.400 nastri magnetici) al Centro di dialettologia e di etnografia di Bellinzona, in Svizzera.

Bibliografia:

-L' altra musica. Etnomusicologia;

-L' influenza turco-ottomana e zingara nella musica dei Balcani;

-Gli strumenti musicali e l'etnografia italiana;

-Musica popolare e musica primitiva;

Bassetto, Dal Castello

INTI ILLIMANI - Danza di Cala Luna

2010-05-13T10:22:00.002+02:00

Ron Powell pandeiro solo

2010-05-13T10:19:00.000+02:00

Timbau estudo

2010-05-13T10:17:00.000+02:00

2010-05-13T10:14:00.001+02:00

ETNOMUSICOLOGIA LATINO_AMERICANA

Il primo a fare un’analisi metodica degli strumenti di provenienza africana sorti a Cuba fu Israel Castellanos, che pubblica nel 1927 “Instrumentos musicales de los afrocubanos”. Poi, nel 1952, Fernando Ortiz ampliò l’informazione precisando l’origine degli stessi con “Los instrumentos de la música afrocubana”, che comprende 5 volumi. Tuttavia, la provenienza di vari strumenti non è chiara.

STRUMENTI LATINO_AMERICANI
(questi sono solo alcuni dei tantissimi strumenti utilizzati nel sud America)

CONGA: È un tamburo alto e stretto con la testa singola, derivato dal makuta congolese. In origine esso si ricavava da un tronco svuotato con una pelle bovina cucita o legata sopra ed era utilizzato nelle cerimonie religiose. Attualmente è costruito in fibra di vetro o legno e con vari tipi di pelli. Si suona con le dita e i palmi delle mani e assume denominazioni diverse a seconda del suo diametro.

BONGO: è uno strumento musicale a percussione. . È costituito da una pelle di origine africana a una sola membrana posta nella parte alta, di un risuonatore di legno a corpo doppio con due suoni di diversa altezza: medio e acuto. In Africa il bongo si usa in occasione di danze, feste e riti. In genere questo tamburo viene fabbricato a mano usando una pelle di vero animale, solitamente di capra.

MARACAS: le maracas sono strumenti a percussione che producono suono per scuotimento. sono di legno e all’interno vengono messi dei grani duri o sassolini. In origine si costruivano con zucche cave ripiene di sassolini.

LE CLAVES: i legnetti o claves sono strumenti a percussione costituiti da un paio di corte barre tradizionalmente in legno ma che possono essere anche in vetro o in plastica. Esse sono spesso usate per suonare una figura ritmica ripetitiva all'interno del pezzo, conosciuta come il ritmo della clave.

GIADA TINAZZI, FRANCESCA MARCHI

il minatore di Frontale

2010-05-13T10:13:00.000+02:00

2010-05-13T10:11:00.002+02:00

L’ocarina

L'ocarina, più nota quella di Budrio, fu inventata in Italia durante la metà del XIX secolo da Giuseppe Donati . La sua forma ovoidale allungata ricorda il profilo di un'oca privata della testa: il nome infatti deriva da ucarina, diminutivo di oca in dialetto bolognese. Presenta un'imboccatura laterale dalla quale si soffia l'aria, che fuoriesce da un labium inferiore generando il suono. La modulazione dei suoni avviene tramite piccoli fori posti lungo il corpo dello strumento che possono essere chiusi dalle dita. Oltre alla scala diatonica, mediante una digitazione composta, è possibile eseguire anche la scala cromatica. Esistono ocarine di diverse dimensioni alle quali corrispondono timbri e registri diversi, da molto squillante e penetrante nella più piccola (ocarina soprano) a più scuro e rotondo nella più grande (ocarina basso e contrabbasso). Similmente, in altri paesi è possibile trovare strumenti a fiato che ricordano lo strumento tipico italiano.

Murray James Ferrari Niccolò-Immagini di Brutti Jessica e Annamaria Ghellere

Log Drum Ethno Lounge from Moscow

2010-05-13T10:10:00.002+02:00

2010-05-13T10:07:00.000+02:00

La musica andina è l'insieme delle tradizioni musicale dei paesi delle Ande, racconta le tradizioni, la dedizione e il legame d'amore di queste persone con la loro terra.

Possiamo parlare subito degli INTI-ILLIMANI.
Un famoso gruppo vocale e strumentale nato in Cile nel 1967.
Il significato del nome è "sole delle Ande".
I sei giovani si sono conosciuti all'interno dell'Università Tecnica di Santiago del Cile.
Dopo le tournée in Sud America, arriva nel 1973 la prima in Europa durante la quale gli Inti Illimani divengono esuli forzati a causa del colpo di stato di Augusto Pinochet.
L'esilio in Italia, dove ai membri del gruppo venne riconosciuto il diritto di asilo politico, durò dal 1973 al 1988.
Il gruppo nel 1973 è formato da:
Horacio Duran Vidal
José Seves Sepúlveda
José Miguel Camus Vargas
Horacio Salinas Alvarez
Jorge Coulon Larrañaga
Max Berru Carrion
e rimarrà tale per tutto il tempo dell'esilio; le uniche variazioni verranno dall'uscita di Jose Miguel Camus, sostituito nel 1978 da Marcelo Coulon, fratello del fondatore Jorge, e dall'inserimento di Renato Freyggang dal 1984. Da ricordare l'apporto del valente musicista venezuelano Jorge Ball, che farà parte del gruppo per circa 2 anni dal 1982 al 1984 e successivamente, a tappe alterne in altri periodi temporali.

Il gruppo inizialmente era capeggiato, musicalmente, da Horacio Salinas e, politicamente, da Jorge Coulon. Tra il 1998 ed il 2003, in tempi e circostanze diverse, quindi, dal gruppo fuoriescono tre componenti (José Seves, Horacio Durán e Horacio Salinas). Vengono rimpiazzati da Manuel Meriño, Cristián González e Juan Flores.

Gli Inti Illimani utilizzano strumenti di vario genere comprendenti quelli provenienti dalla tradizione popolare: chitarra, tiple colombiano, charango, cuatro venezuelano, sikus, quena, rondador, bombo leguero, zampoña, maracas, guiro, quijada e pandereta, a cui si affiancano strumenti provenienti dalla musica colta come violoncello, contrabbasso e violino.

Nel suo repertorio il gruppo comprende, inizialmente, a fianco di brani e musiche tradizionali, molti brani di altri autori cileni come Violeta Parra e Víctor Jara.
Da ascoltare assolutamente:
Fiesta de San Benito
El condor pasa

Chiara Martignago-Chiara Gavioli

IL FONOGRAFO

2010-05-13T10:06:00.003+02:00

Il fonografo è uno dei primissimi strumenti pensati per poter registrare e riprodurre il suono, progettato da Thomas Edison, l'inventore della lampadina.

Circa trent'anni dopo l'invenzione del telegrafo, nel 1877 Edison era riuscito a realizzare un ripetitore telegrafico in grado di incidere i punti e le linee del codice morse, su un disco, disegnando una traccia a spirale con una piccola punta, in modo che uno stesso messaggio potesse essere ripetuto più volte senza l'intervento dell'operatore. Il 17 luglio dello stesso anno egli si accorse che se il disco ruotava ad una velocità sufficientemente alta, la puntina emetteva vibrazioni che ricordavano il timbro della voce umana. Fu l'idea che fece accendere nell'inventore il desiderio di applicare un principio simile per poter registrare la voce umana.

Edison annunciò l'invenzione del fonografo il 21 novembre. Il primo schizzo del Fonografo apparso sui suoi diari risale al 12 agosto 1877 e il 6 dicembre dello stesso anno ne diede una dimostrazione pratica ai propri collaboratori. Essi si trovavano di fronte ad un oggetto costituito da un rullo di ottone (cilindro fonografico) di circa 10 cm di diametro e di lunghezza, sostenuto da un asse filettato. Sul cilindro era tracciato un solco a spirale di 2,5 mm di larghezza e la superficie del cilindro era ricoperta da un foglio di stagnola. Durante la registrazione, il cilindro ruotava e la stagnola veniva sfiorata dalla puntina collegata alla membrana vibrante. La puntina, seguendo le oscillazioni della membrana, incideva una traccia profonda nella stagnola che, tesa sopra al solco, poteva cedere sotto la pressione. Per la riproduzione, il processo sarebbe stato inverso, con l'unica differenza che in questo caso veniva utilizzata una seconda membrana, molto più elastica, posta all'altra estremtià dell'apparecchio. Il solco nella stagnola con le sue variazioni di profondità, faceva vibrare la membrana restituendo il suono registrato. Il funzionamento era quindi alternativamente di registratore o riproduttore.

Il 19 febbraio 1878 Edison ottenne il brevetto della propria invenzione e insieme ad alcuni finanziatori creò la "Edison Speaking Phonograph Company", non per vendere le macchine direttamente al pubblico, ma per installarle nelle fiere di paese e nei luna park, dove il pubblico avrebbe potuto farle funzionare utilizzando dei gettoni.
Caterina e Desirèe-Immagine di Brutti Jessica e Annamaria Ghellere

Cajon Solo von Martin Röttger

2010-05-13T10:06:00.001+02:00

bombo leguero perussatto 16" polegadas

2010-05-13T10:03:00.000+02:00

14. Agogo Bells

2010-05-13T09:59:00.003+02:00

Ninna nanna di Brahms

2010-05-13T09:59:00.000+02:00

Катюша

2010-05-13T09:56:00.000+02:00

Katjuša

2010-05-12T16:35:00.003+02:00

KATJUSA

Katjuša (Катюша) è una canzone russa sovietica diffusa durante l'ultimo conflitto mondiale che parla di una ragazza sofferente per la lontananza del suo amato, via per il servizio militare. La musica del brano è famosa in tutto il mondo, ma, contrariamente a quello che si potrebbe pensare, non fa parte della musica folk russa, bensì è una canzone d'autore, scritta nel 1938 da Matvei Blanter; il testo è di Michail Isakovskij.

ALTRI USI

La melodia di Katjuša fu utilizzata sia nella canzone italiana di resistenza Fischia il vento, composta nel settembre 1943 dal partigiano e medico imperiese Felice Cascione, sia nella canzone Casatchok cantata da Dori Ghezzi nel 1968


Video Katjusa Fischia Il Vento Porcu Alice

Sociologia della Musica

2010-05-12T16:03:00.000+02:00

La sociologia della musica è un settore specifico della disciplina sociologica. In quanto disciplina, essa indaga i rapporti tra la musica, nei suoi più ampi aspetti, e il mondo sociale.

I primi sociologi ad interessarsi alla musica come componente importante della società sono stati Alfred Schutz e Max Weber.

Sviluppi successivi

Negli anni trenta e quaranta il settore della sociologia della musica ha trovato in Theodor W. Adorno il più importante esponente, che dedicò vari scritti alla musica classica, al jazz e alle musiche di consumo.
Nei decenni successivi la sociologia americana ha prodotto vari lavori che hanno contribuito a allargare le prospettive di ricerca, come per esempio Howard S. Becker e Richard Peterson.

Contaminazione della disciplina

A partire dagli anni ottanta la sociologia della musica si è contaminata con altre discipline come l'antropologia, l'etnomusicologia, la storia della musica, gli studi sulle sottoculture e la sociologia dell'arte, confluendo nell' ambito interdisciplinare dei popular music studies.

Alfred Schutz
Max Weber
Theodor W. Adorno

Porcu Alice

2010-05-11T09:43:00.001+02:00

LE NINNE NANNE

Una ninna nanna è una melodia rasserenante che viene cantata ai bambini per farli addormentare. L'idea alla base della ninna nanna è che un canto eseguito da una voce familiare induce i bambini ad addormentarsi. Ninna nanne si trovano nella cultura popolare di tutti i popoli. Possono essere uno sfogo della madre o una maniera per rassicurare il figlio e dirgli che il padre tornerà con il cibo, a volte sono prive di senso e composte da parole inventate ma di facile pronuncia. Ninna nanne scritte da famosi compositori di musica classica prendono il nome di berceuse, che è il termine francese per ninna nanna.

NINNA NANNA NINNAÒ

Ninna nanna ninnaò,

questo bimbo a chi lo do,

lo darò alla Befana

che se lo tenga una settimana.

Lo darò al lupo nero

che lo tenga un mese intero.

Lo darò all'uomo nero

che se lo tenga un anno intero,

lo darò al buon Gesù

che se lo tenga un po' lassù.

Veronica Rizzo, Valentina Zanoni
Immagine di Brutti Jessica e Annamaria Ghellere

Gli strumenti del Sudamerica

2010-05-11T09:40:00.005+02:00

AGOGO

(Brasile)

Piccolo strumento a percussione, nel quale la doppia o tripla campana produce suoni diversi.

BOMBO LEHUERO
(Argentina)
E’ una cassa a doppia membrana dal suono regolabile, in pelle di capra non rasata.
Strumento molto usato nella musica pampeana (samba, chacarera) che propone un suono che richiama il battito del cuore.

CAJON
(Perù)

Percussione nata tra i raccoglitori di frutta peruviani che, avendo a disposizione per suonare solo le cassette della frutta, percuotevano quelle.

E' stata successivamente introdotta in Spagna dove è diventata la tipica percussione del flamenco.

Abbiamo a disposizione anche un nuovo modello brevettato chiamato dall'inventore "Gunja".

BIG BOM

(Sud America)

Molto simile alla grancassa, ma meno profondo.

Ha due pelli di caprone o bufalo dalla sonorità di un grande Gong.

BERIMBAU

(Brasile)

Arco musicale brasiliano di provenienza africana con una zucca fissata tra il bastone e la corda metallica che serve da cassa di risonanza. La percossa è affidata ad una piccola bachettina di legno. Il suono viene modificato premendo con una moneta od una pietra contro la corda.

TIMBAU

(Brasile)

Versione più attuale e popolare del Atabaque. Fusto in legno compensato.

PANDEIRO
(Brasile)
Nome brasiliano per il tamburello. Cerchio di legno o metallo con una membrana in superficie con dei piattini incastrati ai lati.

Immagini di Brutti Jessica e Annamaria Ghellere

Chiara Martignago_Chiara Gavioli

Zuffolo

2010-05-11T09:34:00.001+02:00

Erik Satie - Gymnopédie No.1

2010-05-11T09:34:00.000+02:00

2010-05-11T09:21:00.003+02:00

Pipiolu

Viene chiamato in maniera diversa a seconda delle zone della Sardegna: pipiolu, pipaiolu, sulittu, piffaru, pipiriolu. E' uno strumento a fiato conosciuto in tutta l'isola. E' l'antichissimo zuffolo del pastore, che troviamo nella mitologia di tutti i popoli. Veniva anche usato per accompagnare balli, processioni e canti. Oggi è scomparso quasi del tutto ovunque. Viene ancora usato quasi esclusivamente in alcune manifestazioni folkloristiche. Anticamente, come testimonia un esemplare di pipiolu rintracciato in scavi archeologici e custodito nel museo archeologico di Cagliari, veniva ricavato da un semplice osso lungo di animale.

Murray James Ferrari Niccolò
Immagine di Brutti Jessica e Annamaria Ghellere

Soundscape

2010-05-11T09:19:00.009+02:00

Soundscape

Soundscape (dall’inglese sound = suono, scape = paesaggio) significa letteralmente ”Paesaggio Sonoro”. Questo termine fu coniato dal grande compositore canadese Raymond Murray Schafer, che per primo vide come musica non solo quella fatta di note suonate da un qualsiasi strumento musicale, ma tutto l’insieme di suoni naturali o artificiali prodotti da qualsiasi oggetto, animale o forze della natura. Quindi noi siamo contemporaneamente compositori, esecutori e ascoltatori di questa composizione.

RIFERIMENTI STORICI:

- 1913: Luigi Russolo, l’arte dei rumori.

Inserimento di rumori nelle suo composizioni (rumori di tram, motori a scoppio)

- 1916 – 1917: Erik Satie, Parade.

Balletto musicato che rappresenta una parata come si vedeva un tempo al Teatro della Fiera (sirene, aeroplani, macchine da scrivere, colpi di pistola)

- 1950: John Cage, ampliamento del concetto di musica.
“Il problema: la musica ci perseguita. È diventata una marmellata sonora creando un effetto di saturazione” (Aural Pollution).

Personaggi importanti per il soundscape:

- Luigi Russolo (Portogruaro, 30 aprile 1885 – Cerro di Laveno, 4 febbraio 1947) è stato un compositore e pittore italiano. Futurista e firmatario del manifesto L'arte dei rumori (11 marzo 1913), in cui si teorizzava l'impiego del rumore nel contesto musicale, è considerato il primo uomo ad aver teorizzato e praticato il concetto di noise music sostenendo che la musica doveva essere composta prevalentemente di rumori e non di suoni armonici. La sua musica veniva eseguita con uno strumento da lui stesso ideato L’11 gennaio, il primo Intonatore di rumore, una scatola di dimensione variabile contenente all’interno un ingranaggio specifico a seconda del principio di sollecitazione (per battimenti, sfregamento, pizzico, ecc.), azionato da una manovella esterna; il rumore prodotto è a sua volta amplificato da una tromba anteriore simile a quella dell’antico grammofono.

- Raymond Murray Schafer: Personalità eclettica tra le più interessanti della musica contemporanea nordamericana, Schafer ha studiato al Royal Conservatory di Londra e all'Università di Toronto. Per molti anni ha insegnato alla Simon Fraser University di Vancouver, dove ha varato il World Soundscape Project. Nel 1987 è stato insignito del premio Glenn Gould e nel 2005 del Walter Carsen Prize, attribuitogli dal Canada Council for the Arts.

- Erik Satie, nome completo Alfred Eric Leslie Satie (Honfleur, 17 maggio 1866 – Parigi, 1 luglio 1925), è stato un compositore e pianista francese. Satie fu in vita un personaggio dalle pose originali e dai comportamenti bizzarri, spesso sottolineati dai cronisti del tempo. Le composizioni di questo periodo sono definite da Satie stesso «musique de tapisserie» ("musica da tappezzeria") e rappresentano una satira molto forte contro l'accademismo e la musica dotta. Il periodo più fecondo di Satie fu quello modernista, che inizia nel 1905 quando il compositore si trasferisce a Parigi e conosce il poeta Jean Cocteau con cui, insieme a Picasso, comporrà, scriverà e realizzerà il balletto d'ispirazione cubista Parade.

- John Milton Cage (Los Angeles, 5 settembre 1912 – New York, 12 agosto 1992) è stato un compositore statunitense. È uno dei musicisti fondamentali del Novecento. La sua opera è centrale nella evoluzione della musica contemporanea. Nel 1936 trova lavoro a Seattle, alla Cornish School Of The Arts, come compositore di musiche per balletto. Nel 1939 fonda alla Cornish School un'orchestra di percussioni per cui compone First construction (in metal). In essa vengono usate largamente percussioni improprie come tazzine, cerchioni di auto, contenitori di latta. Nello stesso anno compone Imaginary landscape no. 1. È un quartetto per un piano, un piatto e due fonografi a velocità variabile. È una delle prime composizioni in cui compare la musica registrata. Nel 1940 gli viene commissionata una musica per il balletto Bacchanale. Qui per la prima volta sperimenta la tecnica del "piano preparato", piazzando una piastra di metallo sulle corde, così da modificare il timbro dello strumento e produrre suoni percussivi. Nei pezzi per piano preparato si inseriscono tra le corde del pianoforte svariati oggetti, di modo che l'esecutore produca suoni che non sono del tutto volontari. È uno studio sulla casualità del timbro: il compositore indica la preparazione dello strumento ma non decide completamente il risultato sonoro della sua opera. Si generano suoni che suggeriscono il suono prodotto da un'orchestra di percussioni. È una provocazione nei riguardi dell'inviolabilità degli strumenti classici. Il pianoforte, strumento romantico per eccellenza, viene violentato con oggetti di uso quotidiano, la tradizione europea sbeffeggiata. Intorno agli anni 50 visita la camera anecoica dell'università di Harvard, una stanza insonorizzata in cui poter "ascoltare il silenzio". Cage invece riesce a sentire dei suoni, i suoni del suo corpo: il battito del cuore, il sangue in circolazione. Ciò che ne ricava è la consapevolezza dell'impossibilità del silenzio assoluto.

PAOLO PERUZZI, LORENZO VENTURI

nuovo spazio

2010-05-10T18:16:00.002+02:00

http://2am.blogmusicale.it/

questo è uno spazio aggiuntivo per i vostri post

Che cos'è l'etnomusicologia?

2010-05-06T10:35:00.005+02:00

L'etnomusicologia studia le tradizioni musicali orali di tutti i popoli, sia la musica popolare che quella colta. Veniva detta anche musicologia comparata, in quanto uno dei suoi fini è il confronto delle musiche dei popoli extraeuropei tra loro e con quelle dei popoli occidentali. L'etnomusicologia si occupa non soltanto della musica in quanto suono, ma anche dei comportamenti necessari a produrla.

ALCUNI ETNOMUSICOLOGI IMPORTANTI:

- Tullia Magrini: insegna etnomusicologia e antropologia musicale nell'Università di Bologna fa il punto sulla sua disciplina raccogliendo in volume quattordici interventi quattro suoi e dieci altrui divisi in due sezioni.
Esplora le componenti fondamentali di un mestiere ridefinitosi in più occasioni dalle sue origini a oggi. Nata in ambito centroeuropeo come studio delle culture ritenute più o meno a torto primitive l'etnomusicologia è giunta solo più tardi a darsi questo nome.

Immagini di Brutti Jessica e Annamaria Ghellere

Veronica Rizzo e Alice Barbieri

Raffaele Calace - Tarantella

2010-05-06T10:34:00.000+02:00

Canzoni tradizionali del mondo

2010-05-06T10:31:00.002+02:00

Titoli:
Tarantella(italiana)
Saor Patrol(celtica)
Greensleeves(inglese)
Meon(africana).
Le canzoni verranno messe prossimamente nel blog.

Maddalena Corradini,Katia Residori

Ave Maria - Kodali Zoltán

2010-05-06T10:30:00.000+02:00

2010-05-06T10:27:00.004+02:00

STRUMENTI DELL'ETNOMUSICOLOGIA EBRAICA

Per risalire alla storia della musica ebraica e alla sua nascita la fonte principale di informazione ci venne dalla Bibbia e da essa sappiamo che, sotto re Salomone, sarebbe stato organizzato il servizio dei cantori al tempo di Gerusalemme. Non abbiamo altre documentazioni scritte ad eccezione delle citazioni della bibbia, perciò, alcuni strumenti menzionati hanno descrizioni vaghe e nessuna immagine.

Gli strumenti più importanti degli ebrei furono:

IL KINNOR: è uno strumento a 10 corde pizzicate, nato prima del 2000 a.C e menzionato nella bibbia. Si potrebbe definire un antenato dell’arpa, anche se la sua identificazione e la sua origine è ancora alquanto discussa. è chiamato ance David’s harp ed è stato nominato lo strumento nazionale di Israele.

L’UGAB: è una sorta di zampogna o flauto dritto.

LO SHOFAR: è il primo strumento creato e utilizzato dagli ebrei. E’ un piccolo corno di Montone utilizzato ancora adesso durante le funzioni ebraiche nelle sinagoghe. è menzionato nella Bibbia, suonato in occasione di feste solenni o della luna nuova. Colui che lo suona è chiamato Ba’al Tokeia.
Lo Shofar ha 3 suoni: il Tekiah (il richiamo diretto ), lo Shevarim ( tre richiami a singhiozzo ), e il Teruah (nove o più suoni a singhiozzo). Vengono suonati nel seguente ordine:
1. Tekiah – Shevarim – Teruah Tekiah
2. Tekiah – Shevarim – Tekiah
3. Tekiah – Teruah – Tekiah.
In ogni caso i suoni vengono ripetuti tre volte, componendo trenta suoni in tutto.

FRANCESCA MARCHI GIADA TINAZZI

Introduzione ai maggiori Etnomusicologi

2010-05-06T10:25:00.003+02:00

Béla Viktor János Bartók (Nagyszentmiklós, 25 marzo 1881 – New York, 26 settembre 1945) fu un compositore, pianista ed etnomusicologo ungherese. Studioso della musica popolare dell'Europa orientale e del Medio Oriente, fu uno dei pionieri dell'etnomusicologia. Béla Bartók nacque a Nagyszentmiklós, oggi Sânnicolau Mare, in Transilvania, allora parte dell'impero austro-ungarico. Dopo la morte di suo padre (1888) sua madre, slovacca, si trasferì dapprima in Ucraina a Vynohradiv e, successivamente, a Bratislava, nel suo Paese d'origine, destinato nel 1918 a divenire parte della Cecoslovacchia.

Video Bèla Bartok

Zoltán Kodály (Kecskemét, 16 dicembre 1882 – Budapest, 6 marzo 1967) è stato un compositore, linguista, filosofo, etnomusicologo ed educatore ungherese. Nato a Kecskemét, Kodály passò la maggior parte della sua infanzia a Galánta e a Nagyszombat (attualmente Trnava, Slovacchia). Suo padre era un musicista dilettante, e Kodály imparò fin da bambino a suonare il violino. Cantava inoltre nel coro della cattedrale e scriveva musica, nonostante la sua scarsa educazione formale alla musica.

Video Zoltàn Kodàly

Porcu Alice, Zanoni Valentina

Triccheballacche Acconia Carnevale 2010

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Mercedes Sosa - Como la Cigarra (Live)

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Lo scetavajasse

Altro strumento famoso e molto tipico è lo scetavajasse che, per il modo con cui è suonato, fà pensare ad una sorta di violino, sebbene non abbia corde o cassa armonica di sorta. Lo scetavajasse è sostanzialmente formato da due aste di legno di cui una fornita di ampi denti ricavati per incisione lungo tutta la faccia superiore. Inoltre, presenta numerosi piattelli metallici infissi con chiodini lungo le facce laterali.L’altra asta, usata dal suonatore a mo’ di archetto, viene fatta scorrere contro i denti della prima che invece viene tenuta poggiata contro la clavicola per ottenerne un suono stridente. I piattelli, vibrando ritmicamente emettono il tipico, onomatopeico "nfrunfrù". Lo strepitio dello strumento ha, praticamente, conferito ad esso il nome di "scetavajasse" che ad litteram sarebbe "destafantesche".

Il Tricheballacche

Il Triccheballacche è uno strumento popolare italiano, formato da tre martelletti in legno intelaiati fra loro.

I tre martelletti sono paralleli fra loro, mentre i due telai in legno sono perpendicolari rispetto ai martelletti. Il telaio posto nella parte inferiore unisce i tre martelletti, il secondo telaio posto più in alto permette ai due martelletti esterni di avere un'escursione, governando al contempo il gioco massimo che gli stessi possono avere. I due martelletti esterni vengono mossi dal musicista, e battendo contro il martello centrale, che rimane fisso, producono il suono proprio dello strumento. I martelletti hanno sonagli e campanellini, per fare in modo che ogni battito del martelletto produca un suono percussivo, simile al suono del tamburello.

Il Mandolino

Appartiene al genere dei cordofoni. Il mandolino, infatti, è uno strumento cosmopolita. Oltre al mandolino classico, con quattro corde doppie omofone - la cui accordatura, cioè, per ogni coppia è uguale sia come tono sia come ottava - in versione barocca oppure da concerto, ne esistono altri tipi denominati dal luogo d'origine dei relativi prototipi (qualche esempio: brianzolo , catanese, irlandese, portoghese, cileno, americano). Al di fuori di questi modelli, differenti per timbro e sonorità ma identici per la tecnica impiegata, esistono altri strumenti simili sebbene assimilabili al mandolino solo in parte; Due esempi sono il mandolino milanese, di origini più antiche (con sei corde singole di budello) ed il mandolino genovese barocco. L'origine del mandolino napoletano risale alla metà del XVII secolo: si ritiene che a quel tempo risalga l'inizio della produzione di mandolini da parte della celebre Casa Vinaccia.

Murray James Ferrari Niccolò..Immagini create da: Brutti Jessica e Ghellere Annamaria

MARRANZANO

2010-05-06T10:14:00.000+02:00

Storia dell' Etnomusicologia

2010-05-06T10:13:00.008+02:00

L'etnomusicologia nasce verso la fine dell' 800 in Germania con il nome di musicologia comparata e tra i suoi primi cultori ci furono Bèla Bartòk, Diego Carpitella e Alberto Favara. La musicologia comparata vera e propria nacque negli Stati Uniti durante il periodo del nazismo che causava l'esilio di molti suoi esponenti, ma solo nel 1950 venne ridefinita Etnomusicologia.

Il fonografo, inventato da Thomas Edison nel 1878, fu uno dei primi strumenti dell'etnomusicologia. Permise di documentare più facilmente la musica e serviva per registrare e riprodurre i suoni. in seguito, nasce a Berlino il Phonogramm Arichiv: un ricco deposito di musiche da ogni parte del mondo. Nel corso del '900, due importanti etnomusicologi come Bartok e Kodaly, recuperano le radici musicali del loro paese registrando e componendo motivi popolari delle loro campagne.

In Italia si cominciano a raccogliere dagli anni '50, i canti di contadini e pastori. Tra gli etnomusicologi più importanti in queste imprese in Italia ricordiamo Ernesto di Martino. Caterina e Desirèe

Etnomusicologia in Italia

2010-05-06T10:13:00.003+02:00

In Italia bisogna attendere la seconda metà dell'Ottocento per poter incontrare i primi musicisti-etnografi e trascrittori di musica popolare che operino un'indagine diretta «sul campo » per la raccolta dei documenti ; prima di essi, infatti, vi era stata solo una generica tradizione di interessi amatoriali verso la musica popolare. Tra i ricercatori del periodo positivistico possiamo citare G. Ferraro e A. Favara, ambedue attivi a cavallo tra i due secoli, mentre è solo negli anni Trenta che appare la cosiddetta «generazione di mezzo », legata ai nomi di G. Nataletti e L. Colacicchi, la cui principale preoccupazione, insieme alla raccolta del materiale, sarà quella di ricercare un aggiornamento nei confronti degli studi più avanzati sviluppatisi fuori d'Italia. Finalmente nel 1948 venne creato, presso l'Accademia di Santa Cecilia a Roma, il Centro nazionale studi di musica popolare, con il quale prese avvio un progressivo processo di raccolta sul campo e di documentazione, compiuto in vaste zone dell'Italia centromeridionale da un gruppo di ricercatori, in collaborazione con l'etnologo meridionalista E. De Martino ; citiamo, tra essi, D. Carpitella. In questi ultimi anni sono stati precisati e definiti alcuni fattori di rilevante importanza nell'indagine, quali i modi di esecuzione e le varianti e microvarianti (a carattere strutturale o ornamentale), dalle quali è possibile dedurre i margini e le modalità d'improvvisazione rispetto ai modelli tradizionali, ribadendo l'importanza della funzione-occasione della musica in una determinata cultura, affrontando l'analisi del testo etnografico-musicale all'interno di un determinato contesto socio-culturale, attraverso l'impiego delle tecniche dell'indagine sociologica ed etnografica.
Importanti Etnomusicologi italiani: Diego Carpitella, Pierpaolo de Giorgi, Tullia Magrini, Giuseppe Radole, Roberto Leydi.

Bassetto, Dal Castello

la musica del sudamerica...

2010-05-06T10:05:00.005+02:00

Pero no cambia mi amorpor mas lejos que me encuentre
ni el recuerdo ni el dolor
de mi tierra y de mi gente

Y lo que cambió ayer
tendrá que cambiar mañana
así como cambio yo
en esta tierra lejana.

Cambia, todo cambia...

Ma non cambia il mio amore

per quanto lontano mi trovi,
né il ricordo né il dolore
della mia terra e della mia gente.

E ciò che è cambiato ieri
di nuovo cambierà domani
così come cambio io
in questa terra lontana.

Cambia, tutto cambia...

Todo cambia è una canzone di Julio Numhauser, un musicista e antropologo cileno, resa nota però dall'interpretazione di Mercedes Sosa.

Questo è solo un assaggio di quello che possiamo proporre sulla musica sudamericana.
Brasile, Argentina, Cile, Perù, Colombia, Venezuela...
Paesi magici con una storia millenaria ci racconteranno della loro conoscenza musicale, tutta da scoprire.
Sarà facile innamorarsi di queste canzoni ispirate al sole e ai sorrisi della gente.

Chiara Gavioli
Chiara Martignago

Immagini di : Annamaria Ghellere e Brutti Jessica

Aggiornamenti!

2010-05-05T17:06:00.001+02:00

Non tutti i gruppi hanno inserito il proprio post e quelli che lo hanno fatto non hanno firmato.
Come al solito non si seguono le consegne e quindi ULTIMATUM: o si effettua il lavoro o si becca una insufficienza.
A voi la scelta!

Strumenti della musica popolare italiana

2010-05-04T09:42:00.007+02:00

Il " Friscalettu "

E' uno strumento costruito artigianalmente e viene prelevato dalla pianta di canna. Il suono emanato dal " friscalettu" diventa acuto o grave a secondo dello spessore che possiede la canna. Nella fase di costruzione, viene tranciata la forte pianta nodosa, prima e dopo i due nodi, in modo da dare vita all'imboccatura da una parte e alla chiusura o " culazza" dall'altra. In media il "friscalettu" ha una lunghezza di 12/30 cm. e un diametro di 10/20 mm.. Nella parte scelta come superiore vengono praticati sei fori equidistanti di cui il primo in corrispondenza di un ulteriore foro ( il 7°) sistemato sotto e posto al centro della lunghezza utile dello strumento.

La " Quartara "

Chiamata anticamente " Bummulu " nasce in Sicilia per trasportare l'acqua. Data la particolarità della forma e del materiale fatto di terracotta o argilla cotta nei forni ad alte temperature, fu adattata, forse anche casualmente, anche come strumento, infatti soffiando opportunamente dalla parte dell'imboccatura, con una specifica tecnica, come se fosse uno strumento a fiato, ne viene fuori un suono caratteristico.

Il " Marranzano "

Chiamato con molti nomi può definirsi come lo strumento più caratteristico delle tradizioni popolari siciliane. Sorta di scacciapensieri veniva anticamente chiamato " 'ngannalarruni " ( inganna ladrone ) il quale con il suo monotono suono di " grillo canterino " serviva da segnalatore per allontanare gli eventuali malintenzionati. Il " Marranzano " viene costruito artigianalmente ed è fatto di metallo a forma di Lira dove al centro dello stesso viene posta una linguetta sempre di metallo opportunamente saldata. Per riuscire ad avere il ronzio del " Marranzano ", è necessaria una tecnica molto attenta, infatti, si porta lo strumento tra i denti, si fa vibrare la linguetta, e dalla bocca la quale per l'occasione funge da cassa armonica, si ottiene il tipico suono.

Il " Tamburo "

E' lo strumento che serve da percussione composto da un telaio a forma circolare fatto di legno leggero con all'interno dei doppi dischetti metallici. Al telaio viene agganciata la pelle posta a totale copertura, la quale tesa al punto giusto, grazie a dei tiranti, fa si da ottenere la percussione desiderata.

Murray James Ferrari Niccolò-Immagini di Annamaria Ghellere e Brutti Jessica

Comunicato

2010-04-30T14:48:00.001+02:00

Gli amministratori del sito, gli studenti della 2Am, iniziano a postare il loro blog e imparano a gestire contenuti e file multimediali.